Estimer et authentifier l’objet d’art

L’étape de l’estimation et de l’authentification reste incontournable, pour tout particulier ou professionnel souhaitant vendre une œuvre d’art. En revanche, seul un spécialiste tel qu’un antiquaire ou un historien de l’art est en mesure de certifier si la création en question est originale. La même procédure permet aussi de savoir si l’objet provient d’un artiste coté ou non.

En se référant à plusieurs facteurs, ce professionnel estime la valeur de l’œuvre. Traçabilité, condition de conservation, provenance, ancienneté… tout un éventail de critères à considérer pour évaluer le prix de l’objet.

Choisir le mode de revente approprié

Une fois l’œuvre d’art estimé et authentifié, il convient de choisir l’intermédiaire de revente à privilégier. Notons en revanche que chaque moyen a ses particularités. Tout dépend de la valeur et de la nature de l’œuvre en question.

• Vente entre particuliers

Aussi appelé vente de gré à gré, ce mode de revente est caractérisé par un échange souvent informel. C’est l’alternative idéale s’il s’agit d’une œuvre dont la valeur n’est pas très élevée.

De plus, la vente entre particuliers offre l’avantage d’être suffisamment confidentielle, non-médiatisée. Comme c’est le cas lors des grandes ventes aux enchères. Par contre, cette option a aussi son inconvénient. Le délai de vente est généralement plus long.

• La vente aux enchères

Cette méthode est recommandée si l’objet d’art a une grande valeur financière. De nombreuses institutions internationales organisent des enchères publiques pendant lesquels les prix peuvent grimper rapidement. Par ailleurs, elles proposent souvent un service gratuit d’estimation afin de proposer un meilleur prix. Et lors de la vente, c’est le commissaire-priseur qui fixe le montant à partir de départ de l’enchère.

Le principal atout de cette revente est, évidemment, la sécurité ainsi que la transparence. La maison vérifie toujours la solvabilité de l’acquéreur avant toute transaction. Cependant, gardons à l’esprit qu’elle exige des frais de 10 à 20% du prix de vente final.

• Le dépôt chez un galeriste physique ou en ligne

Faire appel à un galeriste, antiquaire ou de brocanteur devient aussi courant. La plupart d’entre eux disposent désormais d’une propre plateforme de revente. C’est un excellent canal de revente pour tirer le meilleur parti d’une création. D’ailleurs, plus de la moitié des œuvres d’art contemporain sont vendues en galerie.

En outre, la mise en dépôt est souvent gratuite. Et c’est le professionnel qui se charge de l’exposition, pour ensuite chercher des acheteurs potentiels. En ce qui concerne la commission de l’antiquaire ou du galeriste, elle varie en moyenne entre 20% et 30% du prix de vente.

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Art et mystère sur Mystery Museum

Cette machine à sous présente une face des musées que peu de gens habitué des Pasinos connaissent par exemple. En effet, l’action se déroule la nuit, lorsque tout est fermé.

Le développeur Push Gaming renforce l’ambiance un peu angoissante avec un jeu d’ombre et de lumières accentué par une musique lancinante.

Cette slot en ligne possède 5 rouleaux et 3 rangées. Petit rappel : les rouleaux ou bobines sont les séparations verticales, tandis que les rangées sont dressées horizontalement.

L’écran de jeu trône au beau milieu des sculptures et des tableaux. Des pièces uniques constituent les symboles : sarcophage en or massif de Toutankhamon, casque spartiate, tête de la Gorgone, amphores, etc.

Habituellement, les machines à sous intègrent les cartes de poker. Mais la vidéo slot Mystery Museum a opté pour l’originalité. À titre de symboles faibles, elle fait également tournoyer l’œil de Râ et une monnaie provenant de la Chine ancienne. 2 runes clôturent la liste des symboles.

En lançant cette slot virtuelle, le joueur peut obtenir un joker (Wild) représenté par un casque de Samouraï. En outre, cette machine à sous déverse aussi des tours gratuits.

Avalanche de couleur avec Renoir Riches

Les amateurs d’art auront deviné le clin d’œil à Pierre-Auguste Renoir. High5Games, l’éditeur de ce titre, a choisi un décor classique pour mettre le peintre en valeur. Une tapisserie violette sert de cadre au jeu. Celle-ci affiche 5 rouleaux pour 3 rangées.

Renoir Riches a sélectionné une partie des plus célèbres tableaux de Renoir. Le premier est un portrait de Charles et Georges Durand-Ruel. Le 2d tableau s’intitule « Fille avec un chapeau de paille ». Le dernier symbole fort présente un environnement plus relaxant, car il s’agit de « Femme assise au bord de la mer ».

Toutes ces œuvres inestimables sont serties d’un cadre doré. 3 autres symboles remplissent aussi la grille : l’as, le roi et la dame.

Une fonctionnalité amusante accompagne les parties sur Renoir Riches. Les symboles qui ont contribué à une combinaison payante disparaissent. D’autres symboles les remplacent presque instantanément.

Sur cette slot online, il y a 99 manières d’aligner les symboles pour qu’ils rapportent un gain. Un tableau montrant une magnifique améthyste fait office de symbole joker, appelé aussi Wild.

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Les Beaux-Arts, toujours aussi prestigieux

Le terme populaire « les Beaux-Arts » correspond à l’établissement supérieur qui enseigne les métiers d’art. Ainsi, il est nécessaire de détenir le baccalauréat et passer le concours pour obtenir son ticket d’entrée. Bien souvent, les tests se déclinent en examens écrits et une partie orale.

Cependant, les étudiants qui souhaitent intégrer les Beaux-Arts doivent remplir certains critères. Ces écoles n’accueillent pas les débutants, sauf s’ils ont de très forts potentiels. Autrement, elles exigent que les candidats disposent des notions de dessin ou une certaine pratique artistique. La maîtrise des outils numériques figure aussi parmi les prérequis demandés.

De ce fait, certains préfèrent mettre toutes les chances de leur côté via des cours préparatoires.

L’Esaaix, l’école des artistes

Les amateurs d’art d’Aix-en-Provence ont la chance de rejoindre l’Esaaix (École Supérieure d’Art d’Aix-en-Provence Félix Ciccolini). Créé en 1765, on peut dire que l’école jouit d’une excellente notoriété. En 1977, un nouveau bâtiment sort de terre. Son concepteur, Claude Pradel-Lebar, est titulaire du prix « Architecture contemporaine remarquable ».

L’Esaaix attribue le DNA (Diplôme National d’Art) qui correspond à la Licence. Les étudiants peuvent également obtenir le DNSEP (Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique), qui a la même valeur que le Master. Ceux qui veulent aller plus loin peuvent entamer un doctorat de recherche en création.

Cette école d’élite dispense des cours théoriques. En outre, les apprentis-artistes participent à des projets pour développer le sens créatif. Les aptitudes techniques et pratiques sont aussi travaillées. Workshops, conférences et journées thématiques sont au programme.

A part ces enseignements artistiques, le cursus comprend également des cours de langue. En effet, l’Esaaix tient à former des artistes prêts pour le monde professionnel.

Concernant le passage d’un diplôme à l’autre, le candidat présente un projet personnel pour passer de la Licence au Master. Ensuite, une Commission d’Admission décide s’il va pouvoir faire le Master ou pas.

Par ailleurs, tous les passionnés d’art, petits et grands ont l’opportunité d’étudier dans cet établissement. L’Esaaix organise des ateliers de pratique artistique. Cette initiative s’inscrit dans sa mission de sensibilisation à l’art et à la création contemporaine. De plus, la médiathèque est ouverte à ceux qui fréquentent les cours publics.

Les débouchés

L’Esaaix accompagne les étudiants, même après l’obtention de leurs diplômes. Cette école de renom organise des expositions et travaille côte à côte avec les sortants. Elle leur assure ainsi une certaine visibilité et les introduit dans la sphère artistique.

Les études à l’Esaaix ou dans d’autres Écoles des Beaux-Arts produisent des artistes peintres, des assistants de créateur ou des commissaires d’exposition. Les diplômés peuvent également s’imposer dans la décoration intérieure en tant qu’architectes. Certains deviennent des designers graphiques ou d’espace. Tandis que d’autres poursuivent une carrière de styliste, de photographe, d’historien de l’art ou encore de médiateur culturel.

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Quand les casinos s’attachent aux arts

En France comme ailleurs dans le monde, les casinos sont prêts à tout pour se démarquer de la concurrence. Dorénavant, chaque site fait appel à l’univers artistique pour apporter un tout autre attrait, au-delà du simple plaisir de jouer au casino.

A priori, ces deux univers semblent tout à fait différents. Cependant, en faisant un petit tour dans les casinos, on est face à une révélation. Les casinos se révèlent être un incroyable terrain de jeu pour l’art.

Les flambeurs savent bien que chaque casino s’inspire d’un thème. Cela peut être l’Egypte Antique, pour ne citer que Le Pharaon à Lyon ou bien l’âge d’or de l’Empire Romain pour le Caesars Palace à Las Vegas. Toujours dans la ville du pêché, plusieurs établissements s’amusent à reproduire les plus grandes œuvres d’art : Tour Eiffel, sphinx, statue de la Liberté, etc. The Venetian a même transporté la ville de Venise au cœur du Nevada si bien qu’une ballade en gondole s’impose.

A l’intérieur, rien n’est laissé au hasard. Les magnifiques fresques qui ornent les plafonds, les statues et les fontaines subjuguent les visiteurs.

Tout cela semble bien classique, mais l’art contemporain et le street art ont bien leur place dans les casinos.

En somme, les casinos ne souhaitent pas seulement créer un cadre original. Ils cherchent surtout à susciter une émotion particulière. Ainsi, le casino de Fort-Mahon a donné carte blanche à un expert du graffiti pour relooker l’une de ses salles de jeux.

Dans la ville du pêché, c’est tout un quartier qui est dédié au street art. Les amateurs d’art contemporain, par contre, auront des étoiles dans les yeux en faisant un tour au Cosmopolitan.

L’expérience du casino éphémère des arts

Toujours dans ce même esprit, un autre concept est apparu : le casino éphémère des arts. C’est une innovation en matière d’animation notamment pour les soirées ou les séminaires. Ainsi, c’est le casino qui vient aux joueurs.

Pas de machines à sous, mais les joueurs ont l’occasion de tester leurs connaissances artistiques sur 4 tables de jeux.

Les parties respectent les règles traditionnelles du blackjack, poker et roulette. Bien évidemment, l’art apporte son grain de sel. Par exemple, en devinant le courant artistique attribué à une carte, un joueur reçoit le double de sa mise. Cubisme, impressionnisme, réalisme, abstrait, pop-art… les choix sont multiples.

Pour terminer l’expérience en beauté, rien de mieux qu’une vente aux enchères à l’aveugle. C’est l’occasion d’acquérir des œuvres d’art ou de troquer les jetons.

Bref, le casino éphémère des arts est une belle rencontre et se présente comme la nouvelle formule de casino artistique.

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L’art religieux

L’or est conjugué au divin depuis aussi longtemps que l’Antiquité. Chez les anciens Égyptiens, l’or est la couleur et la chair des dieux. Inaliénable, il symbolise l’immortalité et se réserve à l’usage quasi exclusif des pharaons. L’art mortuaire égyptien est donc particulièrement riche en objets faits or.

Jusqu’au Moyen âge, l’or sublime l’art religieux. Toutefois, son caractère presque divin, tel que le conçoivent les Égyptiens, décroit. Dans l’art chrétien occidental, notamment, il est simple porteur de sens. Ainsi, la technique du « Fondo oro » se développe dans les représentations de scènes pieuses qui se servent de l’or pour signifier le céleste, l’inaccessible et le sacré. Le ciel est tapissé de feuilles d’or fin. Elles ajoutent éclat et brillant aux auréoles, signe de sainteté.

Le célèbre Maestà (1318 – 1311) de Duccio di Buoninsegna incarne parfaitement cette place donnée à l’or. Le tableau dépeint la Vierge Marie, tenant l’enfant Jésus dans ses bras, contemplée par des dévots sur fond de ciel doré.

La calligraphie et l’art musulman

Dès le Ve siècle, la calligraphie s’empare elle aussi de l’or. Les enluminures recèlent de véritables œuvres d’art, fait de végétaux entrelacés et de scènes étudiées, sublimés par les feuilles d’or. Copistes et enlumineurs exécutent un travail aux finitions minutieuses.

L’art musulman explore lui aussi les possibilités offertes par ce matériau noble, bien qu’avec parcimonie. L’ostentation n’est pas de mise, d’autant que les illustrateurs se gardent du risque d’idolâtrie.

Aussi, ce type d’art nous livre-t-il des motifs d’une finesse incroyables, relevé avec de l’or et d’autres matériaux aussi précieux que magnifiques. Des sections choisies du Qu’ran sont alors mis en valeur de cette manière.

L’or et les objets

Durant la Renaissance, la recherche de la perfection dans les fonds précipite le déclin de l’usage de l’or dans la peinture et l’iconographie. L’art religieux le déchoit de son titre de symbole du céleste. À partir du XIVe, le ciel, l’architecture et les paysages gagnent la préférence des peintres, bien que la pratique ne soit pas totalement abandonnée.

En revanche, l’opulent ornement baroque s’en saisit. Les dorures illuminent avec faste les châteaux et palais. Des objets liés au pouvoir sont tapissés d’or. Dans la peinture, il orne les bijoux, les tissus.

L’or comme contestation

À l’arrivée de la génération moderne, puis contemporaine, l’or dans l’art connait des évolutions significatives. Les grands maitres de l’art moderne, porté par Gustav Klimt, le voient en premier lieu comme un matériau.

À l’aube de la naissance de l’Art nouveau, il est utilisé dans les explorations des couleurs, de la matière et des formes. La série Monogold (1959 – 1961) d’Yves Klein incarne cette recherche.

Dès les années 1960, l’or prend un virage important dans l’expérimentation. Il sert alors de support aux critiques vis-à-vis du monde de l’art lui-même. Il symbolise le consumérisme qui règne. La symbolique de puissance et de préciosité qui se dégage de l’or se retourne contre elle-même. Provocateur, Piero Manzoni vend de la Merde d’artiste (Artist’s Shit, 1961) au prix de l’or.

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Pourquoi investir dans l’art ?

On investit dans l’art pour les mêmes raisons qui nous font investir sur des actions : l’art prend de la valeur avec le temps. De manière phénoménale, dans certains cas. Par exemple, le tableau de Leonardo de Vinci, « Salvator Mundi », a été mis en vente à 45 livres sterling en 1958. En 2017, son prix a atteint 450,3 millions de dollars.

Puis, c’est le marché lui-même qui le veut. Contrairement à beaucoup d’autres secteurs, l’art est très peu touché par les vicissitudes. De plus, le marché de l’art est en pleine croissance, avec une agréable tendance à tirer les prix vers le haut.

Enfin, l’art n’est plus actuellement un terrain réservé à l’élite. La digitalisation des processus le rend très accessible à plus de monde.

Quels risques ?

L’art reste un achat atypique à effectuer avec prudence. Acquérir une œuvre d’art dans l’espoir de la revendre plus tard n’offre aucune garantie. En effet, son prix dépend de facteurs très fluctuants, parfois obscurs : la cote de l’artiste, les conjonctures du moment, la mode, l’intérêt porté à l’un ou à l’autre de son matériau ou son style.

D’un autre côté, investir dans l’art s’étale sur le long terme. Il peut se passer une vie avant qu’une œuvre ne prenne une valeur substantielle.

L’art contemporain, un bon filon ?

Pour monsieur tout le monde, l’art contemporain s’impose comme le meilleur placement. Et ce, pour plusieurs raisons. La plus simple, c’est qu’il s’agit de la période de création la plus ouverte à l’achat.

Selon Artprice, en 2019, la moitié des œuvres vendues ont été proposées à moins de 1 000$. Par comparaison, les compositions de Maitres Anciens dignes d’intérêt sont rarissimes, en plus de démarrer au million.

L’autre facteur encourageant, c’est qu’au regard des parts de marché, il est le secteur le plus dynamique (15 %) derrière l’art moderne (43 %) et l’art d’après-guerre (24 %) en 2019, qui a aussi vu le nombre record de 71 400 pièces vendus aux enchères. Par ailleurs, ses mutations tendent à apprécier les artistes vivants, avec Jeff Koons en tête. Bref, tous les voyants sont au vert pour l’art contemporain.

Tout ceci, combiné avec l’arrivée croissante de nouveaux artistes, permet d’acheter à prix raisonnable, avec des probabilités intéressantes de plus-value à la longue.
Mais la question qui fâche, c’est bel et bien « comment choisir ? ». Ne nous mentons pas. Si la chance n’y met pas du sien, réussir l’exercice nécessite un œil aiguisé acquis par la passion et par des années d’immersion dans le monde de l’art. Bien qu’il ne soit jamais trop tard pour s’y mettre, le plus simple reste de s’adjuger les conseils d’un expert.

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« Les Tricheurs » de Michelangelo Merisi da Caravaggio (1594–1595)

« Les Tricheurs » capturent une partie de zarro, célèbre jeu de cartes de la Renaissance italienne, où l’un des joueurs triche à l’aide d’un complice. Ancêtre du poker, le jeu permet de gagner avec des mains semblables à sa version moderne.

Parallèlement à ce qu’elle montre, l’huile sur toile est une manière pour le peintre d’introduire un sujet brulant : le vice. À partir du XIVe, les jeux d’argent constituent l’expression idéale des travers de l’humanité, à l’instar de « Les joueurs de cartes » des frères Le Nain. Aussi, le juste de Caravage arbore ici un visage naïf et serein, tandis que la tension et la théâtralité échoient aux tricheurs.

« Le tricheur à l’As de carreau » de Georges de La Tour (autour de 1638)

Selon les observateurs, il y a des chances que les 4 compères s’amusent à la primiera, qui pourraient être l’ancêtre du poker. Toutefois, Georges de La Tour y illustre surtout la tricherie. Le peintre français reprend le sujet de Caravage, mais avec une tromperie nettement plus étudiée. Il y introduit la crédulité du trompé, qui trône dans des habits vaniteux.

« Les joueurs de cartes » de Paul Cézanne (1890 – 1895)

Il ne s’agira pas tout à fait d’un tableau, mais d’une série de 5 tableaux, sur lesquels Cézanne a travaillé entre 1890 et 1895. Témoin de son éternelle insatisfaction, « les joueurs de cartes » sont une incursion dans la rudesse de la vie paysanne du Midi. Chaque version met invariablement en scène des joueurs de cartes dans une taverne, tantôt nombreux, tantôt solitaires, mais toujours avec une concentration silencieuse. Le peintre y décrit un autre aspect des jeux, qui incarnent alors l’opposition.

« Au Casino » de Moreno Pincas (vers 1991)

à travers cette huile sur toile, Moreno Pincas s’intéresse à la roulette avec une palette de couleur vive et des lignes sinueuses. L’artiste, connu pour croquer des scènes banales de la vie de tous les jours, livre ici une intense partie à la roue du diable d’un casino. Face à un croupier, des hommes et des femmes parient fébrilement. Les uns jettent des regards fiévreux à la roulette, d’autres placent des jetons sur le tapis de jeu.

« L’homme aux cartes » de Pablo Picasso (1913 – 1914)

Le très prolifique Picasso s’est inspiré, lui aussi, des jeux d’argent. « L’homme aux cartes » est traité à travers le prisme de son cubisme naissant, dans une découpe et une superposition de visages, de cartes, de motifs. D’autre part, le peintre semble avoir été véritablement fasciné par les cartes, car nombre de ses croquis et de ses esquisses représentent des joueurs.

Bien sûr, beaucoup d’autres artistes connus ou moins connus se sont également laissés inspirés par les jeux. Mais malheureusement, il est impossible de les aborder tous, si on ne cite qu’Israel Rubinstein, Fernando Botelo Angulo ou Thomas Hart Benton.

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Sensations fortes pour les casse-cou

En mode Call of Duty, avec des amis, il y a le parcours East Coast Paintball (Fuveau), Aventure Paint Ball ou encore Laser Ball (La Roque-d’Anthéron). Pour pousser l’immersion plus loin, on enfilera les casques VR chez VR Life.

Visiteur à l’esprit sportif, Aix-en-Provence ne manque pas d’adresses fantastiques. Le circuit automobile du Grand Sambuc, d’abord, pour les amoureux de la vitesse, qui pourront se lâcher sur une piste de 2 km et ses virages en épingle. Le complexe In Park, lui, propose plutôt du karting en intérieur.

Un passage à Aix est aussi l’occasion de tester la varappe chez Climb Up Aix, d’expérimenter la chute libre à Indoor iFLY ou de se mettre dans la peau d’un pilote chez Aviasim.

Activités aquatiques et thermes

Célèbre pour ses fontaines, Aix ne devrait pas décevoir les sirènes dans l’âme. Les sources thermales sont particulièrement ancrées dans la tradition de cette ancienne ville romaine.

Au milieu de ruines celtigo-romaines, les Thermes Sextius restent une référence. Elles offrent un moment de bien-être et de détente avec soins à l’eau de source de la Sainte Victoire et piscine chauffée. La Fontaine des Thermes, elle, est connue pour ses vertus cicatrisantes.

Aix-en-Provence possède également quelques beaux bassins, dont le Centre aquatique Sainte Victoire.

Mystères et défis

Houdini dans une ancienne vie ? Il y a de quoi se contenter à Aix-en-Provence, grâce à sa belle sélection d’escape games. Au total, on pourra profiter de rooms diversifiées, avec des univers conçus avec brio : fantastique, horreur, thriller, inspirés de la culture populaire ou de la littérature… En ville, on préfèrera Mind and Run et Closed.

Les mordus de mystères pourront aussi arpenter les rues d’Aix en mode chasse au trésor, grâce à des jeux de pistes. De quoi découvrir la ville tout en s’amusant et en résolvant des énigmes.

Des activités dédiées aux enfants

Si beaucoup de loisirs permettent de passer un agréable moment en famille, d’autres se dédient uniquement aux petits. Après un passage au musée, par exemple, les terrains de jeu permettront aux petits garnements de se délasser.

Chez Urban Kids, c’est 1000 m 2 d’activités pour se défouler. Au Gulli Parc, nos chères têtes blondes auront 2 300 m2 de parcours, de toboggans, de piscines à balles, de mini chantier ou encore de mini karting.

Pour apprendre tout en s’amusant, le planétarium Peiresc aborde avec les enfants des sujets liés à l’astronomie. Le planétarium est une activité idéale à faire en famille, avec des ateliers, des présentations thématiques et des expositions. Comme le programme évolue en fonction des saisons, il est conseillé de se renseigner avant d’y faire un tour.

Vous l’aurez compris, Aix-en-Provence, c’est bien plus que ses musées et ses galeries. Amoureux de la nature et de grands espaces, soutien inconditionnel du terroir et gastronomes… sont tout autant les bienvenues que les amateurs d’art et d’architectures.

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Notez que la pandémie a coupé court à l’élan du Sm’Art, dont l’édition 2021 a été décalée en octobre. 2022 est l’année de la reprise.

Rendez-vous méditerranéen de l’art contemporain

Salon dédié à l’art contemporain, le Sm’Art se définit lui-même comme le « speed dating » de l’art. En d’autres termes, l’événement est une scène qui veut stimuler les rencontres entre les différents acteurs du monde de l’art. À chacune de ses éditions, donc, le Sm’Art réunit plusieurs centaines d’artistes, de galeries d’art, de collectionneurs, d’amateurs et de tout ce beau monde qui fait tourner le milieu.

Traditionnellement, le Sm’Art se tient à l’ombre des arbres du Parc Jourdan, où les stands éphémères poussent chaque année comme des champignons. Y sont exposés des tableaux, des objets d’art, des sculptures, des photographies. Bref, tout ce qui se fait d’innovant. Aucune discipline n’est mise à l’écart.

Vivier de l’art contemporain en Méditerranée

Pour un œil non averti, le Sm’Art n’est qu’une succession de stands où s’expose de l’art contemporain. Pourtant, c’est près de 4 000 œuvres d’art qui transitent là à chaque édition. Du côté des créateurs, ils sont près de 200 à y présenter leurs meilleures pièces, tandis qu’une dizaine de galeries d’art y tiennent leurs stands.

Le Sm’Art, c’est donc autant d’opportunités de faire des rencontres, de nouer des liens, et pourquoi pas, d’acquérir une pièce unique. Pour un artiste, c’est l’occasion de se faire repérer. Pour beaucoup, c’est un vivier de talents à découvrir.

Des invités de marque sont, par ailleurs, régulièrement sollicités. Ils viennent à la rencontre des visiteurs durant des fenêtres spécialement dédiées à cet effet. Ainsi, le salon a déjà ses habitués, comme Anita Fleerakers.

Des visages moins connus du salon, mais qui brillent dans leur domaine, s’invitent également au Sm’Art, dont le designer Marcel Timmers ou l’artiste Kokian (édition 2021).

Informations pratiques

Chaque année, le Sm’Art promet 5 jours d’immersion au cœur de l’art contemporain. Aussi, accueille-t-il les visiteurs jusqu’à 22 heures parfois. Habituellement, chaque édition est inaugurée par une soirée spéciale. Ce moment peut être l’occasion de performances d’artistes, incluant de la musique, qui se poursuivront d’ailleurs pour le reste de la semaine. Pour ne rien rater des exposants et de la programmation, les organisateurs tiennent un catalogue complet de l’événement, qu’un non initié s’empressera d’acheter.

Bien que le salon se tienne en plein air, l’accès au Sm’Art nécessite un billet d’entrée. À cet effet, une billetterie en ligne est mise en place en amont. Cependant, il est toujours possible d’acheter le sien durant la semaine du salon. Les tarifs varient.
L’édition 2023 du Sm’Art se tiendra du 4 au 8 mai.

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L’Atelier de Cézanne

Il est impossible de passer par Aix-en-Provence sans parler de Paul Cézanne. Le père de l’art moderne y est né et y a vécu jusqu’à sa mort. Son matériel et son mobilier peuvent encore être observés dans ce qui a été son lieu de création. Ouvert au public, l’atelier se situe dans une ancienne cour de ferme rénové à la demande de l’artiste. Cezanne a composé lui-même la teinte grise des murs, censée absorber la lumière.

Le musée Granet

Le musée Granet possède une remarquable collection d’œuvres allant du XVI^e au XIX^e siècle. Elle nous vient des écoles française, italienne, espagnole et nordique. Vous y retrouverez, entre autres, Ingres, Cézanne, Rubens ou Campidoglio. Une annexe, le Granet XXe, comprend des tableaux d’artistes majeurs du siècle dernier. Picasso, Mondrian, Klee, Balthus, de Staël, ou encore Morandi y sont représentés. Pour les amoureux d’archéologie, le musée propose une exposition permanente de sculptures celto-ligures.

La vieille ville

La vieille ville a conservé tous les charmes de l’Aix d’antan. Entre les majestueux hôtels particuliers et les rues sinueuses se dressent les terrasses des cafés et les fontaines… La vieille ville nous embarque pour un voyage dans le temps. Ses constructions remontent au Moyen-âge et s’étalent jusqu’au baroque du XVIIIe. La couleur jaune si distinctive des bâtiments vient de l’utilisation de pierres issues de la célèbre carrière de Bibémus.

L’Hôtel de Caumont

Situé au cœur du quartier historique de Mazarin, il s’agit d’un hôtel particulier dans toute sa splendeur. Vous y découvrirez d’authentiques installations que l’on retrouvait habituellement dans ce genre d’habitation au XVIIIe siècle. Un jardin à la française se dresse à l’arrière de la bâtisse. Depuis 2015, l’hôtel est aussi un centre d’art et accueille de nombreuses expositions.

La Fondation Vasarely

Ici, plus question de revivre l’art et l’histoire. La Fondation propose de l’expérimenter grâce aux 44 œuvres gigantesques de Victor Vasarely. Le recours aux matériaux divers, aux formes géométriques et aux couleurs promet une rencontre unique pour chaque visiteur. Le site est classé monument historique.

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